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proyecto de mural para crayola

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Por |junio 3rd, 2020|Blog, Proyectos|Comentarios desactivados en proyecto de mural para crayola|

Gestión de proyectos culturales y exposiciones de arte

Gestión de proyectos culturales y exposiciones de arte
La diversificación de espacios culturales se ha vuelto vital para los artistas en esta nueva era. Los recintos abiertos al arte alternos a los espacios tradicionales, abren las puertas a nuevas formas de interrelación y diálogo con el espectador. No solo representa una oportunidad para alcanzar un mayor público interesado en diversas manifestaciones artísticas. También, es una oportunidad de llegar a aquellos grupos que no están familiarizados con el mundo del arte y la cultura.

La importancia de la gestión cultural
Los gestores culturales tienen la misión de crear “sociedades culturales”, sociedades críticas que mejoren su calidad de vida. Proyectos que se vuelvan ventanas de reflexión y entendimiento entre individuos que fomenten el cuidado, y la apreciación de nuestro legado cultural; además de inspirar a seguir creando propuestas artísticas y culturales para futuras generaciones. Los actores culturales tienen el papel de poner al alcance de la sociedad propuestas artístico-culturales que fomenten la participación de las comunidades, a través del diálogo y el aprendizaje lúdico. 

Las acciones que llevan a cabo los gestores culturales se desarrollan desde un compromiso con la facilitación del acceso a los derechos culturales de la ciudadanía. En este sentido, Arca México se ha dedicado a crear proyectos que ayudan en muchos casos no solo a difundir sino también a crear oportunidades para abrir el mundo cultural de diversos grupos sociales y no sólo de aquellos más familiarizados con el arte y la cultura.

Como promotores del arte y la cultura, en Arca México realizamos exposiciones de arte, talleres, conciertos y eventos de artes escénicas. Gestionamos proyectos y eventos culturales en espacios institucionales y alternativos que facilitan el acceso a diferentes nichos de nuestra sociedad.

El marketing cultural en […]

Por |mayo 28th, 2020|Blog, Proyectos|Comentarios desactivados en Gestión de proyectos culturales y exposiciones de arte|

Branding art y Art marketing

Branding art y Art marketing
¿Sabes cómo el arte ayuda a transmitir la esencia de una marca entre sus consumidores? Te mostraremos las ventajas del branding art y art marketing. Dos nuevas formas de hacer publicidad que las compañías más reconocidas del mundo han vuelto tendencia en los últimos años.
El branding art, integra conceptos estéticos y artísticos en la construcción de identidad y desarrollo de una marca. Desde la iconografía de sus productos hasta los valores gráficos que la componen.   
El art marketing es el proceso de comunicación de una empresa a través de la vinculación del arte y la mercadotecnia. Los elementos artísticos se aplican en las activaciones de marca y mercancía con colecciones de productos comerciales hasta ediciones limitadas.

El arte en el proceso de construcción y desarrollo de una marca
En la actualidad, hemos llegado al punto en el que los servicios y bienes ofrecidos por las marcas y empresas son tan similares que se ha convertido en un reto fidelizar con un público objetivo. En este sentido, el arte es un diferenciador que debes considerar si estás comenzando a construir la voz de tus productos o marca. También es un recurso efectivo si lo que estás buscando es refrescar la comunicación para crear confianza entre el consumidor.
Debido a sus cualidades gráficas, el arte permite ingresar en el top of mind de tu cliente, te ayuda a destacar sobre tu competencia e influye directamente en la decisión de compra del consumidor, aumenta su confianza y la percepción de calidad de tu producto o servicio. El branding art fusiona la estética con el valor de tu mensaje, lo que provoca una conexión emocional e intelectual única en tus leads que terminará por convencerlos a decidirse por […]

Por |mayo 28th, 2020|Blog, Proyectos|Comentarios desactivados en Branding art y Art marketing|

Hernán Rodrigo Peirce

Hernán Rodrigo Peirce
Con estudios en artes plásticas por el Centro de Arte Mexicano, Hernán Rodrigo es un talento de la Ciudad de México cuyo interés por la expresión gráfica surge desde la infancia. Sus habilidades con el grafito y las tintas lo fueron dirigiendo hacia el camino de la pintura. Gracias a esto, comienza a trabajar en el taller del artista Armando Romero quien le ha mostrado los secretos de la técnica.    

El gusto por la expresión visual lo ha obtenido directamente de su padre quien es escultor. No obstante, la pasión por la pintura la fue desarrollando al contemplar las obras de Kandinsky, Max Ernst, Escher, Picasso, Matisse y Henri Rousseau. El aspecto intimista de estos artistas lo inspiran a construir sus composiciones; en muchas de sus piezas habita su estética.
El trabajo de Hernán se basa principalmente en el dibujo y el óleo, aunque también domina la acuarela y el grabado. Su proceso creativo comienza con el boceto de algunas ideas en papel, para después llevarlas al lienzo. La textura del óleo le permite conseguir el objetivo trazado en su mente. Su estilo más que hablar de aspectos generales de la realidad, muestra el aspecto expresionista de ella.
A través de ondulaciones representa elementos de la naturaleza. Emplea el trazo libre para imitar de manera espontánea las formas orgánicas. Deja de lado las obras lineales y angulares para concentrarse en la improvisación de paisajes. Por otro lado, las piezas abstractas que realiza surgen de ejercicios del subconsciente; práctica implementada por los surrealistas en el siglo XX.
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La cosmogonía grecolatina es otro de los referentes para la construcción […]

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Majo Kelly

Majo Kelly
Su gusto por la fotografía encuentra una comunión con su amor por la pintura en su trabajo. Al tomar sus fotografías como modelo del mundo y traducirlo al lienzo, Majo nos sumerge en paisaje urbanos y cotidianos de los que se apropia, creando así lugares ficticios de escenarios reales. Ella no busca la mimesis, sino producir desde su vida interior, desde su relación con los objetos que plasma, sus recuerdos y sensaciones.

Majo decide concentrar su mente y manos en la producción de obras que la atrapen y le permitan compartir su amor por pintar, más que sus deseos por “comunicar” algo de manera directa o lineal.  
Con sus lienzos, esta artista mexicana nos invita a volver a tomar control sobre dónde centramos nuestra atención. Por medio del uso de texturas y colores saturados, las escenas aisladas que congela en sus obras nos proponen sentir su arte, más que observarlo. Ella no busca que entendamos lo que quiso decir, sino que sintamos lo que vemos y tomemos un mensaje desde nosotros mismos.
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Los paisajes no son su único objeto artístico. En sus obras hayamos experimentaciones y reflexiones sobre el cuerpo al desnudo y autorretratos, que le sirve como una constante práctica técnica, lo que mantiene su vocación y capacidades artísticas listas en el momento que la inspiración la golpeé.

La emoción es una fuente de vida, nos recuerda todo aquello que es difícil expresar con palabras. Las obras de Majo, son emociones sin contexto obvio para quien las ve. No obstante, son paisajes que reconocemos y podemos hilar a experiencias propias. Su arte se vuelve un puente entre su mundo interno y […]

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Rafaela Tellaeche

Tellaeche
En el panorama estético de las artes visuales, las manías son esos impulsos constantes de la voluntad que permiten a la creatividad ejecutar cualquier acto. La producción artística de Rafaela nos muestra cómo nuestras grandes obsesiones pueden convertirse en verdaderos actos catárticos.

Las técnicas que emplea en sus obras varían de acuerdo con lo que la artista busca transmitir; domina el dibujo, el vaciado de cera, el grabado en metal y el bordado sobre diferentes soportes. Estas prácticas parten de un principio artesanal y son complemento de su discurso, las desarrolla como un recurso eficiente. Forman parte de su culto personal por el trabajo manual minucioso.  
Su obra ha sido expuesta en diversas instituciones nacionales y galerías internacionales, ha exhibido su trabajo en ciudades como Barcelona, San Petesburgo y Milán. Sus influencias directas son: Germán Flores quien la inició en el grabado; Vicente Razo en el taller de producción; y Teresa Olmedo, quien además de ser su guía teórica, le mostró el arte del bordado sobre papel y textil.
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Para comprender la propuesta de Rafaela es necesario hablar de sus manías: la talla, el bordado, sus manos y el lenguaje. Entiende el grabado como un compendio de procesos absolutos. Mediante esta técnica crea autorretratos de sus manos, genuinas odas de ellas.
Comienza por fotografiarlas en posiciones significativas. Después las dibuja con detalle para entender cada una de las sombras que la encumbran. Por último, traza cuidadosamente sobre el linóleo. Durante todo este proceso entrena a la mirada y al tacto, mientras mantiene atentos al resto de sus sentidos; esto provoca una especie de trance en su interior que termina convirtiéndose en […]

Por |abril 16th, 2020|Blog|Comentarios desactivados en Rafaela Tellaeche|

Pilar Frías Goyenechea

Pilar Frías Goyenechea
Desde el comienzo de su trayectoria ha mantenido a la par las artes visuales y la gastronomía. El conocimiento de las técnicas que domina, lo ha adquirido gracias a una curiosidad innata por la experimentación; además, de los múltiples talleres que ha tomado con colegas, a quienes considera sus mentores. 

Guiada por un apasionado sentido arquitectónico de la realidad, el estilo de sus composiciones es abstracto y geométrico. Para visualizar qué es lo que quiere lograr, la mirada de Pilar encuentra en el horizonte líneas, perspectivas y nuevas construcciones. Sus principales influencias son: Teodoro González de León, Luis Barragán, Mathias Goeritz, Monet y, principalmente, la Bauhaus. De esta escuela recupera la limpieza y simplicidad de las rectas, la perfección y la eficacia.
Además de esos referentes, su gráfica se enriquece visualmente de otros artistas, arquitectos y corrientes contemporáneas, aunque sus influencias no sólo se encuentran en la plástica, pues la música es un elemento que siempre está presente en sus procesos, es parte de su expresión. Cada pintura tiene que ver con el estado de ánimo de la artista, lo que le sucede, la música que escucha.
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Así son las sesiones de creación en el taller de Pilar; a su izquierda supervisa los pinceles, el godete y los acrílicos, con el mismo tacto del chef que analiza sus instrumentos y cada uno de los ingredientes antes de preparar un Ratatouille. A su derecha, la compañía de una taza de café, mientras suena la voz de David Bowie, Peter Murphy o Sergio Mendes desde el Spotify de su computadora. 
Dentro de su trabajo hay todo un juego de materiales. El papel […]

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Abril Valentina

Abril Valentina
Ella crea paisajes entre lo ideal y la realidad, el paisajismo y la abstracción que nacen desde un intenso amor por la cúpula celeste y una profunda obsesión por los cables eléctricos o de transmisión de información. Su trabajo consiste en estudios sobre el cielo, tratados visuales que reflexionan sobre la urbanización, el paisaje-identidad y las relaciones humanas.

Los lienzos de esta artista y performancera mexicana son el fruto de una constante y premeditada experimentación con el comportamiento del color y la luz, en los espacios negativos de una malla minimalista que crea a través de pintar los cables que interrumpen nuestro cielo y lo fragmentan. El resultado son composiciones llamativas y contrastantes que yuxtaponen cielos desbordados y románticos, con la huella sutil y negra del “progreso” de la modernidad.
Visualmente interesantes, estos paisajes cotidianos despiertan en nosotros un ejercicio contemplativo que compartimos con la artista al mirar el cielo. Los paisajes que pinta encierran un anhelo por la exaltación poética y las cualidades subjetivas que asociamos con los escenarios celestes, frustrados por la realidad de la urbanización y la vida citadina. No obstante, los cables que retrata lejos de ser una denuncia o una crítica a la actualidad, son reflexiones sobre las nuevas formas en las que nos relacionamos entre nosotros y cómo a partir de esto, construimos el paisaje y este nos construye.  
Para la artista, los cables eléctricos son como una red neuronal, el sistema nervioso de la ciudad. Una retícula que nos conecta a distancia y que se vuelven lecturas en el cielo que nos hablan del tránsito de la modernidad, la cultura del progreso y su etapa final, como basura visual que invade nuestra vista y se mimetiza en nuestra realidad […]

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Martha Saint Martin

Martha Saint Martin
Artista e ilustradora mexicana autodidacta que nos invita a repensar la vulnerabilidad como otro tipo de fuerza a través de sus pinturas. Sus obras nos colocan como intrusos invitados a escenas íntimas, en escenarios cotidianos.
Los cuadros de Martha son creados desde una mirada femenina. Su tema de estudio es su propio cuerpo, su entorno y cómo ambos se relacionan y construyen mutuamente. Inspirada en la composición del arte oriental, nos presenta obras abiertas que se construyen de adentro hacia fuera en pequeños espacios de realidad que pinta sobre un instante específico, un momento al que se nos invita interrumpir, para compartir sensaciones con una paleta de colores que funciona bien con las texturas y la falta intencionada de un punto de fuga.

Cada elemento que coloca es esencial en la obra, en este sentido, no encontramos jerarquías visuales. Martha nos da la oportunidad de vagar los ojos libremente en el arte donde crea un mundo que nos habla desde los afectos y las empatías, ver y ser visto. Su trato del cuerpo refleja una visión sin tabús; en ningún momento lo objetiviza o hipersexualiza, la artista lo presenta sin temor de ser “natural”, le devuelve su autonomía y poder al presentarlo en situaciones de fragilidad emocional o física. Podemos observar esto incluso en su trato del paisaje, sus colores son cálidos y la composición es contenida en sí misma. Aun así, no vemos entornos pasivos o escabrosos, sino entornos naturales que sólo necesitan estar presentes y en calma para admirar e imponerse. 
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Acamonchi CDMX

Acamonchi
Gerardo Yepiz “Acamonchi”, un artista mexicano sin fronteras, desde sus  inicios en el mundo del arte en la década de los 80, ha hecho del arte su lenguaje vernáculo para expresar su conciencia sociopolítica y su posición como criatura de su época. Su trabajo muestra una clara influencia de la cultura underground que pudo traducir en la creación de su propio estilo y argot; combinando el diseño, la cultura urbana y el arte visual experimental. En la década de 1990 se convirtió en el primer artista en México en crear una página de internet de arte postal (Mailart).

Todas sus obras son espontáneas y tienen una mezcla del street art y arte de contracultura. En su trabajo notamos un diálogo constante con el paisaje urbano: sus obras parecen simular paredes desgastadas por la exposición a los elementos, un caos armónico de texturas monocromáticas retro y la superposición de imágenes satíricas con collages de ilustraciones fotocopiadas de alto contraste,  recortes de periódicos, caricaturas descontextualizadas en escenas casuales, mezcladas con personajes del mainstream y algunos objetos cotidianos. Esta conjuncion nos trae a la memoria un sentido de “estética” punk. 

Su trabajo empieza con ideas simples, la abstracción de conceptos que se vuelven la base de un discurso resiliente y rebelde que va alimentándose de las iconografías a su alrededor, otorgándole a su obra varios niveles de lecturas, permitiéndonos desentrañar su mensaje e interpretarlo de acuerdo a nuestra realidad.

Sus piezas nunca son literales. Son una metáfora, una noción poética del sueño y la vida urbana, la cultura postindustrial, cultura del consumo, la basura. En su discurso persiste un comentario social que busca visualizar el paso y consecuencia del antropoceno y nuestra condición psico-social. Desde sus entrañas; la esperanza, la […]

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