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Juan Ibarra

Juan Ibarra es un artista visual cuyo estilo experimental le permite explorar nuevos panoramas. Prueba de ello son los métodos que emplea al crear sus piezas. Con una destreza dinámica, redefine los materiales convencionales al mezclarlos con productos de uso industrial, los cuales favorecen su proceso.

Los soportes sobre los cuales construye sus obras varían de acuerdo con la forma en la que quiere comunicarnos su propuesta; ya sea sobre la superficie de un lienzo o de un muro, hasta trabajar con maderas, fibra de vidrio, aluminio, etcétera. La creatividad del artista lo hace apostar más por las texturas que por el color.
Su primer acercamiento a la pintura se da por influencia directa de su abuelo del cual hereda la pasión por el arte. Más adelante, su estilo se ve imbuido por el expresionismo abstracto, el informalismo europeo y por autores específicos, como Antoni Tàpies, Miquel Barceló y Francisco Mejía Guinand.

En el arte de Juan predomina la visión arquitectónica por encima de la orgánica. Lo geométrico y volumétrico toman el lugar de las somáticas formas curvilíneas. Son dos los ejes temáticos bajo los cuáles se orienta su obra: el paso del tiempo y el temor a la muerte generado por la impermanencia. Su trabajo se asemeja a una gran maquinaria, en el sentido de que toda máquina está expuesta al cambio; además, como el cuerpo humano, tiene un inicio y un final.

Por un lado, trabaja series en las cuales representa el paso del tiempo a través de la idea del deterioro y del movimiento, dando a sus composiciones el aspecto de piezas antiguas y desgastadas. Por otra parte, aborda la idea de la impermanecia y la finitud de las cosas. Sus pinturas expresan la angustia de su propia […]

Por |julio 26th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Juan Ibarra|

Pichardo

 
Pichardo es un artista visual que se aleja de cualquier frívolo intelectualismo. Su acto creativo es rebelde a normas académicas que le exijan un estilo definido; sin embargo, podemos encontrar en sus obras inspiración de la estética prehispánica, hermanada con un despreocupado cubismo expresivo.
Su trabajo toma influencia de la composición musical; su mano descompone y reajusta los elementos de la realidad que lo rodean, improvisando ritmos y armonías traducidas en líneas y colores. Un artista que guía su creatividad con la desinhibida visión de un niño, su arte es una expresión libre de sus instintos. 

No obstante, su propuesta artística no es bajo ningún espectro, vacía o superficial. Con un toque de humor, Pichardo crea expresiones plásticas que exaltan la vida, la pasión y la libertad; buscando llegar a una estética ingenua. Una práctica sin horizontes específicos que limiten su imaginación o asombro por el mundo que crea y desde el cual se inspira.

Pichardo nos presenta un discurso inmediato y rico en lecturas. Pese a la bidimensional del soporte y de las figuras protagónicas, su pincel logra crear ambientes dinámicos que nos transmiten estímulos sensoriales. Con una narración auto contenida, sus temas nacen de lo urbano; la publicidad, los edificios, la gente que los habita, de las costumbre y los catalizadores sociales. Estos elementos moldean su narrativa, tanto como lo moldean a él en su día a día. Su obra plasma el mundo contemporáneo mexicano y su imaginario.

Sus obras nos muestran momentos aislados y atemporales de juego. Sus protagonistas son muñecos que nos recuerdan a trazos infantiles; personajes que exploran el lienzo y parecen bailar con los colores y las formas a su alrededor.
Con un sentimiento de nostalgia por la inocencia de nuestra mirada ante […]

Por |julio 19th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Pichardo|

Muñoz Tejeida

Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y con un vasto currículo bajo la manga,  Francisco es un artista multifacético y versátil, con un envidiable manejo de diversas técnicas gráficas. Sin embargo, su más grande pasión es la pintura de caballete.
Su estilo pertenece al expresionismo abstracto contemporáneo, aunque no se limita a este. Su obra figurativa presume un dominio solemne de técnica académica, complementada por la expresividad y rebeldía individual con la que baña sus composiciones.

Su trabajo transmite de forma dinámica un sentimiento de goce, sensorialidad y mexicanidad. México es, precisamente, una de sus principales inspiraciones: su música, su gastronomía, su clima, sus paisajes, su gente. Él es un artista que traduce su realidad en texturas, colores vivaces, formas únicas, líneas orgánicas y armonías geométricas. Su trabajo no pretende exotizar nuestra cultura o romantizar un sentimiento nacionalista vacío. Aun así, tampoco pretende ignorar su esplendor y diversidad.

Otro tema recurrente en sus lienzos nace de la atracción por las máquinas. Las series que se desprenden de este interés se concentran en el estudio del movimiento, los ritmos de los engranajes, y la precisión. Sus obras exploran, con gran plasticidad y sin ninguna presunción mimética, el funcionamiento de: poleas, molinos de viento y, sobre todo,  relojes.
Comprometido con cada aspecto del proceso, Francisco se involucra plenamente en la producción de todas sus obras. Desde la elaboración del bastidor hasta la firma de autor. Cada pieza se vuelve única y personal, impregnada con un estado de ánimo irrepetible al momento de su creación.

Cada acción de su mano sobre el lienzo es un acto de creación.  La fluidez de su trazo manifiesta un espíritu espontáneo de vitalidad, que nace del diálogo constante con su pictórica; detrás de la […]

Por |julio 16th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Muñoz Tejeida|

Georgina Gutierrez

A veces nuestros deseos más sinceros son enterrados por nuestros miedos más profundos. Aun así, algunos deseos siguen destellando una débil luz que ni la oscuridad más densa puede ocultar. El primer paso para liberarlos es creer; dejar que se apoderen de nuestros sentidos, de nuestras manos, hasta que estallen en una lluvia de colores. Georgina es una artista mexicana que conquistó el arte de hacer lo que ama: pintar por ahí; una vez que comenzó a creer en sí misma y en su pasión.

Antes de cambiar su destino y abrirse camino en el arte, Georgina estudió la carrera de Diseño Industrial pues creció con el estigma de que era imposible vivir de él. No fue hasta que un viaje a la India le mostró lo maravilloso que es hacer lo que amas y que lo verdaderamente imposible es trabajar en algo que nunca te hará sentir satisfecho.
Una artista que se desafía a sí misma y constantemente busca experimentar con técnicas nuevas para plasmar su creatividad; sus obras fusionan dos mundos que tienen en común la explosión de color que ahora la caracteriza: México y la India.

Los colores son la clave de toda su propuesta artística. Ellos hablan sin palabras, nos transportan de vuelta a un estado de inocencia y esperanza. Su paleta exalta la belleza en todas las composiciones que crea. Sus temas, aunque variados, tienen en común un mismo sentimiento: la alegría. Sus obras parecen cosquillear nuestros sentidos.
De manera intuitiva, libera el color en la superficie: sus pinceladas son gestos espontáneos y rápidos que guían todo su proceso. Su lenguaje visual se aleja del realismo y la representación antropomórfica. A través de motivos naturalistas, Georgina se concentra en capturar emociones y sentimientos […]

Por |julio 16th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Georgina Gutierrez|

Topolocko

Lejos de lo canónico, Héctor Pineda, mejor conocido como “Topolocko”, sobresale por lo heterodoxo de su propuesta. Aunque no ignora ni desprecia los preceptos de la academia, su arte intercambia los conceptos de rigidez y purismo por audacia y libertad. Al plasmar su arte, Topolocko va más allá de los soportes habituales, pues sus colores decoran tanto lienzos como muros.  

Con el ímpetu que lo caracteriza, destaca uno de los aspectos orgánicos más fundamentales de la existencia, la originalidad del momento. A través de sus pigmentos expresa aquella espontaneidad, el instante único e irrepetible propio de la vida y de la actividad creativa. Deja que la obra exude su propia energía que grite sus intenciones, un mensaje que hace exaltarnos de inmediato pues llega directo a nuestras pasiones internas.
En cuanto a su estilo se refiere, es imposible no hablar de los peculiares rostros que tienen la mayoría de sus personajes. Polioculares con grandes narices y bocas protuberantes, la exageración en ciertos rasgos responde a la transfiguración de la realidad. Una realidad pletórica de anomalías y de excesos. En su labor artística, la visceralidad se vuelve un acto creador.

Topolocko construye la narrativa visual de sus pinturas desde la lógica de lo irracional, donde domina un caos necesario. Bajo el libre juego de plasmar todo lo inmediato que acude a la mente, incluso aquello que no se entiende, Héctor deja que el subconsciente se manifieste; un poco a la usanza de André Breton con su escritura automática. 

La musicalidad que existe en cada una de sus pinturas puede notarse a partir de las vibrantes líneas que traza. La obra de Topolocko representa una ruptura en los esquemas tradicionales del arte contemporáneo mexicano. Lo temerario y vanguardista de su […]

Por |julio 15th, 2019|Blog, Proyectos|Comentarios desactivados en Topolocko|

Dan Guzmán

 
Arquitecto, diseñador, músico y pintor autodidacta, Dan creció rodeado de arte. Desde niño las pinturas lo hacían vibrar y fue a través de los libros de los grandes maestros renacentistas que se enamoró de la creación artística. Inspirado por pinceles nacionales y extranjeros rebeldes a los cánones estéticos, encontró su propia voz a través del pigmento. Desde entonces, está comprometido consigo mismo a crear desde sus entrañas, sin simulaciones o complacencias ajenas.

Pinturas que estremecen, que intrigan, que gritan; la obra de Dan nos sumerge en las partes más íntimas de su psique. Sus lienzos plasman una retórica alrededor de la naturaleza humana, donde el paisaje urbano no se limita a ser un escenario estéril, sino que se proyecta como un personaje más.

Su lenguaje gráfico y conceptual se ve directamente influenciado por su conocimiento en arquitectura. El estilo de Dan tiene reminiscencias del estridentismo y de la conjugación de un expresionismo surrealista, que notamos al ver sus composiciones arquitectónicas y el trato que le da a sus personajes.

En su trabajo encontramos como tema recurrente los cityscape. Dan deforma el ideal de precisión y perfección que busca la arquitectura, para asemejarlo al orden-caótico de la naturaleza: corrige las líneas rectas y artificiales de sus edificios; las urbes que imagina se vuelven modelos orgánicos, chuecos, que reflejan la construcción de sentimientos y emociones que ilustran la naturaleza humana.  El resultado es una apropiación de la realidad donde sus trazos simulan la perfecta-imperfección de lo natural.

Las ciudades que compone se vuelven una poética sobre una arquitectura utópica compuesta por el diálogo entre lo natural y lo artificial. Nos presenta escenas que nunca son estáticas. El espíritu colectivo en sus cuadros nos habla de una lucha contra el conformismo […]

Por |julio 5th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Dan Guzmán|

La coronación del peón

Con el paso del tiempo muchos artistas se han preocupado cada vez más por conectar a las personas con el arte, mediante la búsqueda de nuevos espacios de expresión. Por esta razón constantemente llevamos a cabo proyectos en el espacio público para realizar murales.

Para este proyecto hemos gestionado un muro para la artista sonorense Ebeth Roldán quien se dio a la tarea de transformar una barda aparentemente descuidada en una obra de arte. Ya en el lugar y al inicio del proceso, Ebeth aprovechó muy bien las características del muro, para ello la textura de ladrillos desgastados enriqueció la composición de la pieza, integrando el arte a los espacios desgastados de la pared.

La obra de arte presenta como acto principal la coronación de un peón, indicando así que el discurso central de la obra recae sobre las piezas de ajedrez como representación de las relaciones de poder y a su vez, los cascos de armaduras medievales, establecen la idea de que dichas relaciones han estado presentes a lo largo de la historia de la humanidad.

La importancia de plantear discursos visuales en los muros de espacios públicos que sirven como un acercamiento artístico abierto, no sólo cumple con un fin decorativo o de atractivo visual sino que también tiene como propósito establecer un diálogo con las personas que transitan por la calle al observarlo.

Nos llena de satisfacción encontrar en el neomuralismo una forma de expresión que transforma y se apropia de espacios públicos, combinando estrategia de comunicación artística.
 
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Por |mayo 27th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en La coronación del peón|

renatasantamarina

 
Es una artista mexicana cuya propuesta visual se centra en la narración de historias, combinando tanto elementos concretos como fantásticos, surgidos de una cosmología que ha desarrollado a lo largo de su trayectoria artística.
Dentro de cada una de sus obras podemos encontrar microrrelatos influenciados por el Surrealismo, específicamente, del de Remedios Varo. Lo anterior se ve reflejado en el desarrollo de conceptos mágicos ligados a la alquimia y la trasmutación; tópicos constantes en su obra.
 

 
Con un lenguaje simbólico, Renata aborda el juego de la dualidad Mito-realidad. A partir de crónicas que se narran desde una concepción esotérica, la artista juega con diferentes niveles de lectura abiertos a la interpretación de quien observa sus trabajos.
Sus pinturas reflejan un genuino interés por la filosofía hermética y su proceso iniciático. Donde la mente, el alma y el cuerpo buscan una comunión espiritual. La estética de Renata se ha ido construyendo gracias a la influencia de la tradición esotérica.
 

 
Los personajes que aparecen en sus pinturas se encuentran suspendidos en un espacio atemporal y alegórico. Con figuras angulares y espasmódicas en composiciones casi teatrales, la artista plasma un interés por la figura femenina.
Un símbolo que encontramos constantemente en su obra es la imagen de la puerta que aparece con diversas connotaciones místicas, la principal remite a la idea de autodescubrimiento.
Gracias a sus estudios en restauración de arte, experimenta constantemente con nuevos materiales que alterna con los tradicionales; desde acrílico y grafito, hasta óleo intervenido, que emplea de acuerdo con el tema que trabaja.
 



Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en renatasantamarina|

polimerafernandez

 

 
Es una artista plástica mexicana. Estudiar arquitectura, la ha llevado a adaptar sobre el lienzo la geometría de las estructuras y la armonía de las formas. Por medio de la intervención de objetos urbanos, Polimera logra darle un giro divertido a la cotidianidad generando atractivo visual a través de la saturación de los colores.
Su técnica en acrílico tiene influencia del pop art de Andy Warhol. La música de Madonna y Kurt Cobain ha cultivado el espíritu crítico con el que observa a su panorama, borrando todo dejo de ingenuidad de su trabajo desde una perspectiva femenina.
 

 

 
Desde la narrativa de lo mainstream y de una lógica comercial aborda temáticas sociales actuales con metáforas pop. Sus obras ironizan el culto a los productos de gran consumo. La banalización de una sociedad que se construye a partir de símbolos vacíos, fomentando estilos de vida que alimentan la fantasía del capitalismo tardío.
 

 
Su crítica está dirigida a señalar los clichés que ha identificado desde su experiencia. Además, expone algunos aspectos políticos a través de una sátira fresca y poco frecuente, pues aborda estas problemáticas desde una estética jovial.
 

 
La artista aprovecha el alcance e impacto de la era tecnológica, explotando desde sus redes sociales el valor de su obra. Al digitalizarlas les da movimiento y alterna los colores. Siendo consecuente con su propio concepto de arte: “Todo mundo tiene un talento interno que debe desarrollar, y no debe limitarlo tan sólo por lo que el resto de la gente piensa”.
 



 

Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en polimerafernandez|

cecilechauvet

Líneas pesadas, colores intensos y personajes de caricaturas de la infancia, conforman  la obra de esta artista visual de origen tapatío que comenzó su camino en el mundo del arte en el 2017.
 

 
Con obras de formato medio, sus trazos marcan el tránsito en la evolución de su lenguaje visual, culminando en una síntesis armónica de estilos: abstracto, pop y cómic.
Consciente de su tiempo, Cecile trata su obra como un testimonio de su contexto espacio-temporal, abordando temas con comentario social a través de una iconografía que se centra en manifestaciones de la cultura popular.
 

 
Su discurso artístico se alimenta de un fuerte sentimiento crítico hacia la industria del capitalismo. Que no sólo vende productos vacíos basados en necesidades falsas, sino que comercia con estilos de vida tóxicos; desde la producción masiva de imágenes superficiales que en su reproductibilidad, dominan nuestra percepción del mundo y de nosotros mismos, naturalizando comportamientos autodestructivos.
Esta crítica se transmite por medio de su paleta de colores donde se yuxtaponen tonos oscuros y neutros, con colores brillantes y saturados.
 

 
Los patrones culturales que nos invita a descubrir la artista en sus collages van desde cartoons clásicos y figuras del mainstream, hasta homenajes a personajes y situaciones dentro del imaginario colectivo mexicano.
Con un diálogo visual que se inspira, más no se limita, en el art pop de los 60, Cecile nos sumerge en una nostalgia visual  y dinámica, mientras incita a que nuestros ojos vaguen por el cuadro para que reflexionemos sobre nuestra realidad y cómo nos construimos a partir de ella.
 



Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en cecilechauvet|