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Topolocko

Lejos de lo canónico, Héctor Pineda, mejor conocido como “Topolocko”, sobresale por lo heterodoxo de su propuesta. Aunque no ignora ni desprecia los preceptos de la academia, su arte intercambia los conceptos de rigidez y purismo por audacia y libertad. Al plasmar su arte, Topolocko va más allá de los soportes habituales, pues sus colores decoran tanto lienzos como muros.  

Con el ímpetu que lo caracteriza, destaca uno de los aspectos orgánicos más fundamentales de la existencia, la originalidad del momento. A través de sus pigmentos expresa aquella espontaneidad, el instante único e irrepetible propio de la vida y de la actividad creativa. Deja que la obra exude su propia energía que grite sus intenciones, un mensaje que hace exaltarnos de inmediato pues llega directo a nuestras pasiones internas.
En cuanto a su estilo se refiere, es imposible no hablar de los peculiares rostros que tienen la mayoría de sus personajes. Polioculares con grandes narices y bocas protuberantes, la exageración en ciertos rasgos responde a la transfiguración de la realidad. Una realidad pletórica de anomalías y de excesos. En su labor artística, la visceralidad se vuelve un acto creador.

Topolocko construye la narrativa visual de sus pinturas desde la lógica de lo irracional, donde domina un caos necesario. Bajo el libre juego de plasmar todo lo inmediato que acude a la mente, incluso aquello que no se entiende, Héctor deja que el subconsciente se manifieste; un poco a la usanza de André Breton con su escritura automática. 

La musicalidad que existe en cada una de sus pinturas puede notarse a partir de las vibrantes líneas que traza. La obra de Topolocko representa una ruptura en los esquemas tradicionales del arte contemporáneo mexicano. Lo temerario y vanguardista de su […]

Por |julio 15th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Topolocko|

Dan Guzmán

 
Arquitecto, diseñador, músico y pintor autodidacta, Dan creció rodeado de arte. Desde niño las pinturas lo hacían vibrar y fue a través de los libros de los grandes maestros renacentistas que se enamoró de la creación artística. Inspirado por pinceles nacionales y extranjeros rebeldes a los cánones estéticos, encontró su propia voz a través del pigmento. Desde entonces, está comprometido consigo mismo a crear desde sus entrañas, sin simulaciones o complacencias ajenas.

Pinturas que estremecen, que intrigan, que gritan; la obra de Dan nos sumerge en las partes más íntimas de su psique. Sus lienzos plasman una retórica alrededor de la naturaleza humana, donde el paisaje urbano no se limita a ser un escenario estéril, sino que se proyecta como un personaje más.

Su lenguaje gráfico y conceptual se ve directamente influenciado por su conocimiento en arquitectura. El estilo de Dan tiene reminiscencias del estridentismo y de la conjugación de un expresionismo surrealista, que notamos al ver sus composiciones arquitectónicas y el trato que le da a sus personajes.

En su trabajo encontramos como tema recurrente los cityscape. Dan deforma el ideal de precisión y perfección que busca la arquitectura, para asemejarlo al orden-caótico de la naturaleza: corrige las líneas rectas y artificiales de sus edificios; las urbes que imagina se vuelven modelos orgánicos, chuecos, que reflejan la construcción de sentimientos y emociones que ilustran la naturaleza humana.  El resultado es una apropiación de la realidad donde sus trazos simulan la perfecta-imperfección de lo natural.

Las ciudades que compone se vuelven una poética sobre una arquitectura utópica compuesta por el diálogo entre lo natural y lo artificial. Nos presenta escenas que nunca son estáticas. El espíritu colectivo en sus cuadros nos habla de una lucha contra el conformismo […]

Por |julio 5th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Dan Guzmán|

La coronación del peón

Con el paso del tiempo muchos artistas se han preocupado cada vez más por conectar a las personas con el arte, mediante la búsqueda de nuevos espacios de expresión. Por esta razón constantemente llevamos a cabo proyectos en el espacio público para realizar murales.

Para este proyecto hemos gestionado un muro para la artista sonorense Ebeth Roldán quien se dio a la tarea de transformar una barda aparentemente descuidada en una obra de arte. Ya en el lugar y al inicio del proceso, Ebeth aprovechó muy bien las características del muro, para ello la textura de ladrillos desgastados enriqueció la composición de la pieza, integrando el arte a los espacios desgastados de la pared.

La obra de arte presenta como acto principal la coronación de un peón, indicando así que el discurso central de la obra recae sobre las piezas de ajedrez como representación de las relaciones de poder y a su vez, los cascos de armaduras medievales, establecen la idea de que dichas relaciones han estado presentes a lo largo de la historia de la humanidad.

La importancia de plantear discursos visuales en los muros de espacios públicos que sirven como un acercamiento artístico abierto, no sólo cumple con un fin decorativo o de atractivo visual sino que también tiene como propósito establecer un diálogo con las personas que transitan por la calle al observarlo.

Nos llena de satisfacción encontrar en el neomuralismo una forma de expresión que transforma y se apropia de espacios públicos, combinando estrategia de comunicación artística.
 
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Por |mayo 27th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en La coronación del peón|

renatasantamarina

 
Es una artista mexicana cuya propuesta visual se centra en la narración de historias, combinando tanto elementos concretos como fantásticos, surgidos de una cosmología que ha desarrollado a lo largo de su trayectoria artística.
Dentro de cada una de sus obras podemos encontrar microrrelatos influenciados por el Surrealismo, específicamente, del de Remedios Varo. Lo anterior se ve reflejado en el desarrollo de conceptos mágicos ligados a la alquimia y la trasmutación; tópicos constantes en su obra.
 

 
Con un lenguaje simbólico, Renata aborda el juego de la dualidad Mito-realidad. A partir de crónicas que se narran desde una concepción esotérica, la artista juega con diferentes niveles de lectura abiertos a la interpretación de quien observa sus trabajos.
Sus pinturas reflejan un genuino interés por la filosofía hermética y su proceso iniciático. Donde la mente, el alma y el cuerpo buscan una comunión espiritual. La estética de Renata se ha ido construyendo gracias a la influencia de la tradición esotérica.
 

 
Los personajes que aparecen en sus pinturas se encuentran suspendidos en un espacio atemporal y alegórico. Con figuras angulares y espasmódicas en composiciones casi teatrales, la artista plasma un interés por la figura femenina.
Un símbolo que encontramos constantemente en su obra es la imagen de la puerta que aparece con diversas connotaciones místicas, la principal remite a la idea de autodescubrimiento.
Gracias a sus estudios en restauración de arte, experimenta constantemente con nuevos materiales que alterna con los tradicionales; desde acrílico y grafito, hasta óleo intervenido, que emplea de acuerdo con el tema que trabaja.
 



Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en renatasantamarina|

polimerafernandez

 

 
Es una artista plástica mexicana. Estudiar arquitectura, la ha llevado a adaptar sobre el lienzo la geometría de las estructuras y la armonía de las formas. Por medio de la intervención de objetos urbanos, Polimera logra darle un giro divertido a la cotidianidad generando atractivo visual a través de la saturación de los colores.
Su técnica en acrílico tiene influencia del pop art de Andy Warhol. La música de Madonna y Kurt Cobain ha cultivado el espíritu crítico con el que observa a su panorama, borrando todo dejo de ingenuidad de su trabajo desde una perspectiva femenina.
 

 

 
Desde la narrativa de lo mainstream y de una lógica comercial aborda temáticas sociales actuales con metáforas pop. Sus obras ironizan el culto a los productos de gran consumo. La banalización de una sociedad que se construye a partir de símbolos vacíos, fomentando estilos de vida que alimentan la fantasía del capitalismo tardío.
 

 
Su crítica está dirigida a señalar los clichés que ha identificado desde su experiencia. Además, expone algunos aspectos políticos a través de una sátira fresca y poco frecuente, pues aborda estas problemáticas desde una estética jovial.
 

 
La artista aprovecha el alcance e impacto de la era tecnológica, explotando desde sus redes sociales el valor de su obra. Al digitalizarlas les da movimiento y alterna los colores. Siendo consecuente con su propio concepto de arte: “Todo mundo tiene un talento interno que debe desarrollar, y no debe limitarlo tan sólo por lo que el resto de la gente piensa”.
 



 

Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en polimerafernandez|

cecilechauvet

Líneas pesadas, colores intensos y personajes de caricaturas de la infancia, conforman  la obra de esta artista visual de origen tapatío que comenzó su camino en el mundo del arte en el 2017.
 

 
Con obras de formato medio, sus trazos marcan el tránsito en la evolución de su lenguaje visual, culminando en una síntesis armónica de estilos: abstracto, pop y cómic.
Consciente de su tiempo, Cecile trata su obra como un testimonio de su contexto espacio-temporal, abordando temas con comentario social a través de una iconografía que se centra en manifestaciones de la cultura popular.
 

 
Su discurso artístico se alimenta de un fuerte sentimiento crítico hacia la industria del capitalismo. Que no sólo vende productos vacíos basados en necesidades falsas, sino que comercia con estilos de vida tóxicos; desde la producción masiva de imágenes superficiales que en su reproductibilidad, dominan nuestra percepción del mundo y de nosotros mismos, naturalizando comportamientos autodestructivos.
Esta crítica se transmite por medio de su paleta de colores donde se yuxtaponen tonos oscuros y neutros, con colores brillantes y saturados.
 

 
Los patrones culturales que nos invita a descubrir la artista en sus collages van desde cartoons clásicos y figuras del mainstream, hasta homenajes a personajes y situaciones dentro del imaginario colectivo mexicano.
Con un diálogo visual que se inspira, más no se limita, en el art pop de los 60, Cecile nos sumerge en una nostalgia visual  y dinámica, mientras incita a que nuestros ojos vaguen por el cuadro para que reflexionemos sobre nuestra realidad y cómo nos construimos a partir de ella.
 



Por |abril 24th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en cecilechauvet|

Natalia Hinojosa

 

 
Arquitecta de profesión, Natalia Hinojosa es una artista visual mexicana que encuentra en el arte un espacio de catarsis para manifestar de manera creativa sus ideas y experiencias, así como sus tensiones emocionales, las cuales comparte a través de un estilo abstracto.
Su propuesta desarrolla una filosofía personal basada en la dialéctica de dos elementos que al contraponerse no se cancelan, se complementan; revelando un mensaje de esperanza y resiliencia ante las situaciones donde las sombras gobiernan.
 

Yuxtaposición de estructuras, luces y sombras; son características que definen cada una de sus obras. Su base pictórica es el acrílico, aunque, constantemente experimenta con técnicas mixtas y materiales como el hilo para lograr  obras figurativas. Fusiona el estilo abstracto con la geometría sagrada, incorporando significados y simbolismos que proyectan la dualidad caos-orden, el juego de la vaguedad de los colores y lo estructurado de las formas.
 

 
El mensaje estético de sus pinturas, traduce la idea de un empoderamiento de nuestro ser, que enfrentado a un momento crítico, debe elegir entre caer o elevarse.
Plantea que los sentimientos negativos de cada persona no deben ser ignorados, pues todo lo que lastima te da lecciones y te fortalece. Las grietas permiten que la luz penetre e ilumine todo lo oscuro.
 

 
Si quitamos las sombras de la obra, desaparece; así, nuestra existencia se modifica sin los momentos límite que te ayudan a reflexionar cómo resolverlos. Se trata de un despertar de la anestesia emocional que incentiva a crear algo nuevo y bueno a partir de encontrar nuestra propia luz, nuestra fortaleza.
 



Más de su trabajo: https://www.instagram.com/nhaart_/

Por |abril 23rd, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Natalia Hinojosa|

Mariana Pulido

 
Los conceptos de contemplación, reflexión, encuentro y goce visual, enmarcan la obra de la artista mexicana Mariana Pulido. A través de sus cuadros en acrílico, la artista despierta en nuestra mirada una curiosidad por descubrirnos en los ojos de los peculiares personajes que protagonizan su propuesta artística.
 

 
Una característica en la obra de Pulido es la dicotomía espacial. En ella, busca representar la idea del tiempo presente. El aquí y el ahora de la obra son marcados por el contraste de una mezcla de colores alegres en un fondo negro con un sólido dorado, donde el primero conforma lo terrenal y el segundo evoca la manifestación de lo espiritual. Con una particular atención en el delineado de sus trazos, sus personajes son compuestos por figuras geométricas, sin privarlos de una sensación de movimiento y fluidez orgánica.
 

 
Otro  rasgo particular que comparten sus protagonistas son los ojos blancos que parecen vacíos pero siempre observan cuando los miramos. Este intercambio de miradas se propone como un encontrarse en el otro. Es así como la artista busca generar una identificación emocional-empática dentro de los límites del lienzo.
Carmela es un personaje constante en la obra de Pulido. Carmela es una muñeca de trapo inspirada en las muñecas mazahuas dotada con sólo el sentido de la vista y que juega como una extensión de la propia artista
 

 
Esta peculiar muñeca se halla así misma contemplando seres mágicos, que nos recuerdan vagamente a alebrijes, con el anhelo de pertenecer y formar vínculos afectivos con ellos; muy similar a la experiencia humana en la que todos nos hemos visto en algún punto de nuestra vida. Esta característica de Carmela es la narrativa en la que la artista basa toda su producción: la mirada como […]

Por |abril 12th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en Mariana Pulido|

HectorAceves

Nacido en Sonora, el artista plástico Héctor Aceves crea espacios oníricos y paisajes surreales en sus óleos donde la protagonista central es la ballena alada. Aceves presenta a este ser fantástico como su tótem personal.
La ballena representa la pesadez de las inquietudes humanas básicas como el miedo, los conflictos y los obstáculos que afrontamos en el día a día.
Las alas evocan un sentimiento de ligereza, paz y libertad.
 

 La síntesis de estas imágenes opuestas transmite un mensaje estético claro: el arte otorga la oportunidad de que la pesadez de la cotidianidad de la existencia humana, se pueda aligerar para la libre actuación y ejecución de los sueños, deseos y esperanzas, no a pesar de los obstáculos sino, con ellos.
 

Si bien la paleta del artista se compone de colores pastel difuminados e inspirados en postales; las composiciones de algunas de sus obras crean escenas dramáticas, oscuras y contrastantes que enriquecen su discurso artístico y amplían el diálogo visual que pretende que tengamos con su obra.
 

Aunque en esencia el trabajo de Aceves se fundamenta en una constante práctica, tanto técnica como auto-reflexiva, su obra no se limita a su propia interpretación, más bien, nos invita a empatizar con él y apropiarnos de su pincel a partir de una contemplación activa y desde nuestras propias narrativas.
 



 

Más de su trabajo: www.hectoraceves.com/

 

Por |marzo 22nd, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en HectorAceves|

AMOR PERENNE

Exposición grupal, del 28 de Febrero al 5 de Mayo, conformada por Renata Santamarina, Polimera Fernández, Natalia Hinojosa, Mariana Pulido, Héctor Aceves y Cecile Chauvet.



Toda obra de arte contiene místicamente una vida llena de dudas, sufrimiento, energía, horas de trabajo y entusiasmo. En cada trazo, pincelada, elemento y color, se encuentra una conversación íntima con el alma, en la cual el artista siempre se encontrará vinculado a una incesante autoexploración para entrelazar la necesidad de crear y la de expresar su propia personalidad.


La posesión de fuerzas activas y creativas son la preponderancia del componente en el arte, que lo convierte en un signo de grandeza, un elemento eterno que se encuentra en todos los seres humanos y que no conoce de tiempo ni espacio, el amor perenne; de molé- culas inherentes que viven en la atemporalidad.


Nuestro ser tiene la naturaleza de buscar constantemente la felicidad con un doble propósito, el de satisfacer al cuerpo físico y el de alimentar las virtudes que constituyen la esencia del alma, así es el amor perenne, de inconmensurable valor e inmarcesible condi- ción. Insaciable.

Por |febrero 28th, 2019|Proyectos|Comentarios desactivados en AMOR PERENNE|