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Tavo Montañez

El Romance de la Bestia

Aunque en sus inicios se interesó por la arquitectura, Tavo Montañez estudió Diseño Gráfico “quería un área que tuviera dibujo pero enfocada a otras cosas que no fueran edificios”.

Su decisión lo llevó a la exploración de diferentes texturas y formas con sus ilustraciones, en su trabajo personal siempre ha encontrado el balance entre detalle y simpleza. Sus bestias fantásticas las realiza con solo tinta china y marcador, para después añadir el color de manera digital “Me gusta representar la figura humana, sobre todo mujeres, también los animales, las plantas y los monstruos”.

En sus piezas rescata las formas y texturas animales y los representa como nuevas bestias imaginarias llenas de creatividad, “me gusta mucho la forma y lo fluido de los trazos al momento de representar animales como el pulpo”, en cuanto a las mujeres que dibuja, su principal inspiración es Gustav Klimt, las figuras femeninas que traza están llenas de sensualidad e inocencia, aunque con ciertas intervenciones que las hacen ver macabras.

Tavo usa sus habilidades y estudia a fondo cualquier proyecto en el que se involucra, gracias a esto es colaborador constante en la nueva edición de la revista “La Mosca en la Pared”, donde hace ilustraciones que realzan los textos y capturan la atención. Él comenta acerca de este reconocimiento: “llegaron a mí a través de internet, colaboré con ellos para un número y les gustó así que siguieron pidiendo comisiones”, él considera esta oportunidad perfecta para desarrollarse como ilustrador.

El trabajo de Tavo Montañez muestra su dedicación y capacidad de explorar las posibilidades de la forma para comunicar y hacer mutar las ideas. Entra a su página oficial para conocer sus nuevos proyectos y revisar su trayectoria Tavomontanez.com

Acamonchi

Arte, contracultura y bicicletas.

Gerardo Yépiz “Acamonchi” -palabra que usan en los estados del norte de México para referirse a “cargar de caballito”- comenzó a interesarse en el movimiento del postal art y las nuevas formas de arte urbano desde mediados de los 80, vino a descamar la piel seca de Baja California y a introducir nuevas formas de expresión con stencil, fotocopias y stickers para reproducir la iconografía cultural de México. En una plática que sostuvimos con él nos dice: “antes no había esa intención a bombardear las calles y que cada poste y señalamiento de la ciudad tuviera una calcomania”.

En 1998 se mudó a San Diego y comenzó a trabajar con Shepard Fairey “Obey” en los inicios de la publicidad de guerrillas, sobre esto comenta: “el graffiti era considerado vandalismo y asociado con problemas de pandillas, a la gente no le interesaba como fenómeno social”, gracias a su intervención y la de varios residentes de la costa, los medios de comunicación comenzaron a prestar atención a los jóvenes y sus formas de expresión. Él fue encargado de la difusión del neograffitti en México, término que difundió en el país.

El crecimiento de esta cultura impregnó su trabajo como diseñador, a lo que comenta: “El arte urbano me enseñó como diseñador y artista a tener una mentalidad global y a darle un enfoque” Gracias a este cambio en la publicidad Acamonchi ha encontrado un éxito sin precedentes, es reconocido y admirado por conocedores del arte urbano y gracias a ello comenzó a destacar como artista. Su comprensión y vínculo con el tema lo ha llevado a colaborar con marcas alrededor del mundo.

En sus más de 25 años interviniendo los espacios, Acamonchi ha usado su arte para expresarse de manera […]

Daniel J Valadez

El reflejo de historias y su entorno.

En la era del arte post-moderno, cuando todos quieren pinturas con significado fuera de la obra en lugar de buscarlo dentro de ella, los artistas que producen con técnicas tradicionales tienen un valor más apreciable, lejos de los cuadros blanco sobre blanco y las obras saturadas de justificaciones se proponen la reinvención del arte como un reflejo del tiempo.

Para el artista californiano Daniel J. Valadez, el realizar retratos implica reflejar a la persona y también al entorno en que se desenvuelve. Le gusta percibir esta fusión para plasmarla en cuadros donde las personas están conectadas a la ciudad a través de sus rasgos y expresiones, en una entrevista nos comenta: “trato de capturar ese pequeño pedazo de personalidad que se observa cuando la gente está callada escuchando a alguien más.”

Daniel, originario del área de la bahía, se trasladó a San Francisco para estudiar artes, la transición fue difícil, pero poco a poco empezó a integrarse a la ciudad que ha servido de inspiración para sus obras, así es como nos describe el lugar donde habita: “es muy diferente de Los Angeles o San Diego, el entorno donde vivo es muy colorido y ruidoso, es particular a su modo”

Considera que la Internet y las Redes Sociales han sido algo maravilloso para la promoción de su trabajo, “poder conectarte con otra persona o un grupo de gente en otra ciudad, en México o Alaska o donde sea es increíble, me motiva a seguir compartiendo mi trabajo”, gracias a la promoción por internet ha podido darse a conocer y vender obras en Europa y América.

Anteriormente ha visitado México y quiere cambiar la impresión que se tiene de nuestro país. “Siento que hay mucha información negativa […]

Steve Javiel

Texturas y capas que cuentan relatos.
Steve Javiel es un artista residente de San Francisco que desde el 2008 se dedica a la pintura, durante su formación comenzó a explorar distintas expresiones de arte, pero lo que más llamó su atención fue el arte abstracto, “me enamoré del arte abstracto a pesar de que me enseñaban más arte clásico, es algo que siempre quise hacer, ser creativo y dibujar.”
La idea nació al recorrer las calles de San Francisco, una ciudad que combina aspectos industriales, culturales y sociales, recorrer esta ciudad a pie lo inspiró para la creación de sus piezas: “cada vez que camino por ahí algo cambia, algo más capta mi atención, mientras más lo hago empiezo a percibir algo nuevo.”

Sus piezas son de una temática especial, narra las historias de esos espacios explicando su deterioro, retomando las texturas y el aspecto de paredes y contenedores de trenes abandonados. “Las arrugas y las cicatrices que tienen las superficies cuentan historias, y pasa lo mismo con los muros, solo hay que observar más allá de lo que aparentemente se puede ver”.

En su método de trabajo combina materiales de arte y de construcción, el acrílico y óleo se combinan con pegamento y yeso para replicar la textura y forma visual de la pared agregando su estilo personal, sobre el resultado obtenido nos dice: “no solo trato de replicar las fotos que tomo como referencia, intento darle mi estilo, mientras más capas y pintura tiene la pieza, comienza a tener una personalidad propia.”

 
Más de su trabajo en Facebook

Hetwor One

El Camino del Guerrero

Los artistas pueden surgir de diferentes formas, entre la formación académica y los procesos empíricos de explorar por cuenta propia los artistas comienzan a encontrar su estilo, la libertad que da el no estar sujeto a las reglas de la instrucción ha permitido a varios artistas experimentar libremente para la creación de su obra. Estos son los caminos que está caminando Leonardo Guerrero, conocido como Hetwor One, un artista urbano que se ha adentrado en la ilustración de manera gradual.

Hetwor nos habla de su breve pero intenso paso en el arte: “Comencé a hacer letras en estilo salvaje, pero mis tags y bombing eran muy malos, hacía letras deformes con mucho color”, fue gracias a un curso de pintura al óleo que aprendió a dibujar figura humana y encontró una temática a explorar: “me enfoco en la estructura del cuerpo humano para después deformarla, me gusta mucho usar el desmembramiento”, su otro tema recurrente son los animales, “Cuando realizo animales me gusta escogerlos por su textura y el significado de ese animal.”

Sus influencias provienen de varios lados, donde destaca la fantasía inspiración de Hayao Miyazaki y Jean Giraud “Moebius”, la fuerte presencia del rojo en su obra proviene de su intención de crear algo que cree más impacto: “Ví un documental acerca de tribus sudamericanas que se pintaban los ojos en ese color, era una forma de intimidar a sus adversarios”. Así busca explorar los temas que le fascinan pero también es una forma de enfrentar las cosas por las que siente aversión.

Consciente de su crecimiento como artista le gustaría explorar nuevas técnicas y temáticas, cuando lo cuestionamos acerca de que le gustaría hacer en el futuro, comentó: “Me gustaría abordar el hiperrealismo para perfeccionarme”.

A pesar de […]

Paola Delfin

La expresión femenina en todos los sentidos.

“Comencé con pinturas y dibujos en formatos pequeños, pero no me acomodaban para lo que quería realizar”.

Paola Delfín es una artista del Distrito Federal, desde la infancia estuvo interesada en usar lápiz y papel para poder expresar sus ideas. Utiliza su arte para tomar una pared y darle vida, se apasiona con la creación artística y usa esa fuerza para poder contar una historia a través de lo que hacen sus manos, volviéndola visible a todos para que se involucren. “Lo que pinto, quiero que sea accesible para todos por eso me interesó el arte urbano, las grandes paredes resultaron perfectas para las ideas que quiero plasmar.”

Algunas de sus influencias están en el muralismo mexicano, pero quienes realmente la inspiran son los artistas contemporáneos del street art: “me gusta mucho el trabajo de Roa, Miss Vahn, Fafi y Alaniz, de los mexicanos me gusta mucho lo que hace Curiot”, con su talento se ha posicionado como una de las artistas emergentes más relevantes.

Su paso a través de festivales en diferentes países como Colombia, España, Alemania y recientemente en el Festival Latidoamericano en Perú, han enriquecido su conocimiento y también le han dejado aprendizaje de los artistas con los que ha compartido paredes, sobre esto comenta: “nunca me había imaginado poder estar ahí, me da gusto poder transmitir lo que siento en diferentes latitudes con diferentes personas y artistas”
A Paola Delfín le apasiona su arte, combina la sensibilidad y fragilidad femenina con la fuerza contundente de la línea y el contraste para generar formas únicas que llaman la atención, y que invitan a más mujeres al mundo del arte urbano para que siga creciendo la expresión femenina en todos los sentidos.

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