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Mónica Loya

Una artista emergente y contemporánea

Al escuchar a Mónica Loya hablar nos cae en cuenta que ella es una artista contemporánea y en esto me refiero no sólo a que se encuentra trabajando con marcas como Vans o creó un video para la banda Quiero Club, más bien me refiero a que como ilustradora Mónica tiene muy presente la importancia de la época y los medios con los que vivimos, siendo del estado de Chihuahua ella reconoce la importancia del Distrito Federal como plataforma de impulso para artistas emergentes, aunque nos dice que para ella su medio de difusión más importante es otro completamente.

De internet y redes sociales

Para esta artista gráfica los medios más importantes son el internet y más específicamente las redes sociales que actualmente son un gran lugar para encontrar talento gráfico en todas sus expresiones y que también son de gran ayuda para los artistas que buscan desde referencias visuales hasta colaboradores, ella encontró en Tumblr cientos de referencias visuales, en Instagram un trampolín para compartir sus trabajos y en Facebook un medio para tener comunicación más directa no sólo con amigos y conocidos si no con aquellos que siguen su obra y trayectoria, ella insta a artistas emergentes a compartir su trabajo aunque se consideren aún en un proceso evolutivo, recalcando la importancia de la difusión para cualquier tipo de artista.

«Wind»
El dominio de la técnica

Al observar la obra de Mónica Loya uno encuentra con un dominio del color y con una técnica refinada en la acuarela, que produce al público cierto respeto y sin embargo para ella es como un medio natural. También tiene gusto de esta ilustradora por la forma humana, la cual vemos retratada en su obra siempre intentando reflejar el sentir del […]

International Public Art Festival

Soñando por Holbox.

El festival abre su convocatoria para participar en la próxima edición 2015 que se realiza anualmente en la paradisiaca isla HOLBOX del Caribe Mexicano. En esta ocasión, los artistas seleccionados para la Segunda Etapa del Festival, se trasladarán a la Ciudad de México para pintar un mural y participar en una exhibición colectiva internacional con la galería ARCA MÉXICO, en el festival CONSTRUCTO ARTE NUEVO.
En la edición pasada participaron los artistas Jason Botkin, Curiot, Rubén Carrasco, Lesuperdemon, entre otros. Ahora podrán participar artistas de todas las nacionalidades en las siguientes disciplinas: Murales, Instalación, Multimedia, Escultura y Cortometraje.
Conoce todos los detalles de la convocatoria y participa

Soñando por Holbox.
The festival opens its call for submissions for the next 2015 edition of the annual INTERNATIONAL PUBLIC ART FESTIVAL taking place in Holbox, a paradise island in the Mexican Caribean. On this edition, selected artists will be part of a Second stage of the Festival where they will be painting a mural and creating new artworks to participate in a collective international exhibition at ARCA MÉXICO gallery in Mexico City. This Second stage of the festival is CONSTRUCTO ARTE NUEVO.

In the last edition artists Jason Botkin , Curiot , Ruben Carrasco, Lesuperdemon participated among others. Now Artists from all nationalities are welcome to apply in the following disciplines: Murals , Installation , Multimedia, Sculpture and Short film.

We accept applications in the following languages: spanish, english and french.

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Lluvia Lavi

Ilustración en Acuarela

Texto por Paola Llanos.

Hablar con Lluvia Lavi fue un respiro creativo: y es que de cierta manera estamos ensimismados con la misma lista de ilustradores que ya están posicionados dentro de la Ciudad de México y el conocerla da un respiro a la estética local. Lluvia es originaria de Chihuahua, su formación profesional como Artista Visual, especializada en Acuarela la hace aún más identificable.
Ella decidió probar suerte en la Ciudad de México por ser un lugar donde constantemente se tiene la mira de lo que ocurre en el ámbito artístico.

Lluvia tiene como inspiración y parámetro a Paula Bonet y Audrey Kawasaki, dos artistas que dominan la ilustración y la acuarela de una manera excepcional. Lluvia retoma los detalles, lo delicado de los elementos sutiles de los personajes y de la escena en que se encuentran. Ilustrar con acuarela implica ser más temeraria que el común de los ilustradores, es realizarla sin bocetos, sin ensayos o constantes parches para que se vea bien.

La acuarela es de una sola intención, con poco tiempo para reaccionar (en lo que el papel absorbe el tinte de la acuarela) y un error de exceso de pintura, de agua o del grosor de los pinceles se evidencia de manera exponencial a diferencia de otras técnicas que puedes ocultarlo, por ello su limitada práctica entre los actuales ilustradores.

Lluvia disfruta de presentar sus emociones a través de sus personajes, con principal énfasis en la mirada, parte corporal a la que dedica en exceso su atención. Ella gusta de plasmar elementos muy femeninos: las flores, los atardeceres, las aves y las texturas como el cabello, los hilos y el agua. Su color favorito es el blanco, por su ausencia y facilidad para transmitir emociones directas.

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Arty & Chikle

La caricatura lograda a mural

Dos autores que han creado un vínculo profundo entre ellos a través de su trabajo y que se extiende hacia el público que observe sus murales.

El equipo está compuesto por el ilustrador Arty Zorro y el artista urbano Chikle Bomba. Desde su primer encuentro en el 2012 durante la exposición “Ensoñación Colectiva” realizada en el Club Atlántico la empatía fue tal que trabajar juntos fue un paso inevitable.

Su primer trabajo como equipo ocurrió en Puerto Rico, al enfrentarse a la limitante de llevar su material por avión, decidieron llevar un litro de pintura blanca, uno de negra y un bote pequeño de rosa para crear acentos. Gracias a esta casualidad es que surge el estilo que ahora han hecho su sello personal: Tonos de grises con acentos de color en imágenes que combinan el Street art, la caricatura y la ilustración realista de animales, las cuales son resultado de sus formaciones previas y la empatía entre ellos. Para Arty fue la excusa para utilizar sus habilidades como ilustrador, mientras Chikle aporta un sentido de Street art y manejo de formas más sencillas.

Arty y Chikle combinan con su gráfica las sensaciones infantiles más placenteras y también las más sombrías, la forma en que ellos ven el mundo no solo influye en cómo se desempeñan, también en lo que quieren alcanzar como artistas: seguir experimentando como si fuera la primera vez que pintan.

Con su obra no sólo rememoran las ideas de la infancia, también crean una sensación de familiaridad y asombro por lo desconocido, es al mismo tiempo la calidez de un hogar y la emoción de recorrer el mundo en busca de nuevas experiencias.

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Kraken

El Ozzy Osbourne de la ilustración.

Kraken es un ilustrador lleno de historias gráficas, ha sido parte de colectivos artísticos angulares en México y su evolución es notable para quién conoce sus trazos.

Su estilo es claro en cuanto entramos a su estudio: El escritorio con todo el material que requiere para ilustrar, acomodado y a la mano. Su playlist suena: metal pesado, gótico y bajonas. Chela en mano. Así crea. Maneja conceptos como destrucción, tristeza y la introspección a través de personajes femeninos. Su trazo se moldea con su día a día, proyectando lo que Jersey vive.

Kraken tiene una fuerte fascinación por lo que no está en la luz, de la esencia motora que logra impulsar a un ser a superarse de la situación pantanosa en la que se encuentra. Es ese momento preciso el que le gusta plasmar.

Su abuelo le enseñó las primeras técnicas de la ilustración, después aprendió de los cómics y más adelante estudió Publicidad. Laborar dentro de agencias le ayudó a tener claro quién era y que hace, aprendió a vender ideas y pudo lograr la transición de lo comercial a lo personal. Ahora es freelancer.

Este artista genera ideas en espacios pequeños, como libretas chicas para ver si el concepto da para más, una vez hecho eso realiza la obra completa en un formato más grande. Kraken elige los proyectos en los que participará siempre que sean de su agrado y que le permiten una total expresión gráfica.

Fue parte del colectivo E3, estar en él le ayudó a lograr una personalidad gráfica. Ahora es parte de Mercadorama, cuyo objetivo es la unión de músicos con artista visuales a través de cárteles y mercancía oficial a precios accesibles para los fans.

Su más reciente proyecto se llama “Día fantasma” […]

Alex Arizmendi

 

La música busca complementarse cada vez más con lo visual. Para promocionar bandas, conciertos, discos o festivales se recurre a diversos medios; un ejemplo de ello es la ilustración.

Para el ilustrador Alex Arizmendi –originario de la ciudad de México y diseñador grafico por la Universidad Simón Bolívar– la música ha sido una de sus grandes pasiones; conocer y explorar nuevas tendencias despierta su creatividad. Durante su paso por la Universidad empezaba a crear ilustraciones dirigidas al rock, a veces tomándolo como pasatiempo. El vincular su gusto por el dibujo con el de la música le ayudó a saber hacia dónde dirigir su estilo.

Su capacidad de entender la música y expresarla en carteles lo llevó a colaborar con la creación de la imagen de dos de los festivales musicales más importantes de México: el Vive Latino en 2010 y 2011, además del Corona Capital en su primera edición del 2011. Para él fue un territorio nuevo, ya que nunca había explorado realizar una identidad oficial.

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Siamés Escalante

La melancólica chica Siamés

Adriana Escalante –conocida como Sayamis– originaria de Yucatán, es una Diseñadora Gráfica que actualmente reside en el D.F. Uno de sus mayores logros es haber tomado una residencia en “Ilustración y Narrativa Visual” en la School of Visual Arts (Escuela de artes visuales) de Nueva York, lo cual cambio su perspectiva y amplio su visión hacia el futuro.

“Me abrió los ojos sobre cómo funciona la industria y que tan amplio es realmente. Quedé fascinada Sandy Koufax Youth Jerseys con el estilo de vida en la ciudad, eso me hizo querer salir de mi ciudad pequeña y mi estilo de vida usual, y moverme a una ciudad más grande en donde hubiera más oportunidades y retos”.

Su deseo de dedicarse al mundo de la ilustración nació al ver caricaturas japonesas y al conocer a artistas como Benjamin Lacombe y Rebecca Dautremer. En su técnica emplea lápices de colores fríos, reflejando la expresividad facial con el realce de los ojos, buscando con ello representar y transmitir melancolía bajo la figura femenina que predomina es su obra.

“Cuando comencé a explorar “mi estilo” las cosas salían melancólicas sin que fuera intencional. Supongo que gran parte del tiempo reflejo mi estado de ánimo en las cosas que dibujo”.

Así mismo, su fanatismo la ha llevado a abordar y reinterpretar personajes de animaciones y videojuegos, que le han ayudado a practicar nuevos estilos, llevándola a participar en exposiciones colectivas en México y Estados Unidos con temáticas enfocadas a la “cultura popular”.

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Carlos Blackout

La esencia profunda de todo.

El ilustrador Carlos Blackout ha colaborado desde México con varias marcas y bandas de metal y hardcore nacionales y del extranjero. Comenzó de manera autodidacta en el 2009, adoptando el pseudónimo de “Blackout”. “La palabra tiene muchas traducciones como «apagón» o «nocaut», en mi vida personal siento que esa palabra me define”

Una de sus primeras inspiraciones fueron las ilustraciones de GodMachine y Christopher Lovell, al revisar sus métodos aprendió a combinar técnicas análogas con digitales. Como creador se permite salir de su zona de confort para trabajar otros estilos, le gusta ir más allá de lo que conoce. En su proceso creativo observa tanto a artistas que admira como cosas nuevas.

“Lo principal para mí es ser muy imaginativo, no me gusta encerrarme en una sola idea, cuando el proyecto es fuera de lo que yo trabajo me emociona mucho”.

Al realizar sus primeros trabajos varias marcas y artistas lo buscaron para colaborar. Uno de sus temas predilectos es los cráneos, para él son símbolo de la esencia de los seres vivos.
“Dibujo muchos cráneos de animales o humanos, la gente lo ve como algo de bandas de metal pero realmente tiene otra interpretación, que todo en su interior es lo mismo”.

Además de eso, estudiar el arte clásico despierta su pasión creativa, él confiesa su admiración por lo que creó Claude Monet: “Me agrada mucho por la revolución que creó en el impresionismo, cambió el modo de ver la pintura, cambió a usar la mancha para crear una impresión distinta”.

Su arte ha sido empleado por bandas como Suicide Silence, Attack!! Attack!! Y marcas como Mictia y Murdertron. Se considera afortunado por realizar un trabajo que le gusta y con el que se identifica, además de colaborar con artistas […]

Mariana Magdaleno

Las Fantasías Retorcidas de Ayer y Hoy.

Mariana Magdaleno, artista mexicana, se caracteriza por tener un estilo que evoca a la naturaleza. Enfocándose principalmente en los animales, su obra refleja la influencia de las fabulas y su gusto por las caricaturas: “Me gustan mucho las caricaturas, ahí los animales son humanizados, es como regresar a tu origen natural”

A partir del uso de la línea con tintas de colores, representa visualmente formas de animal que se entrelazan con la corporeidad infantil: “Me gusta el trazo sencillo, con pocas líneas hacer un gran contenido”, buscando acercar la inocencia de la niñez a atributos animales: “Los niños no tienen malicia ni máscaras, cuando eres así de real, ves el mundo de otra forma”. Esta combinación es un proceso de juego para ella, una fusión entre lo siniestro y lo infantil, buscando con ello que el espectador se pueda reflejar: “Me centro en una figura en la que el espectador se refleja, le gusta y encuentra algo macabro en eso”

A través de su gráfica, Mariana explora la expresión simbólica de los animales, y cómo forman parte del ritual humano, generando un dialogo entre la visión científica y lo maravilloso de la naturaleza. La fantasía de materializa en sus trazos.

Puedes conocer más sobre su trabajo más reciente en su perfil de Tumblr.

Alter Os

La Expresión Alterada

En Iztapalapa el graffiti se ha vuelto un escaparate de ideas y contenidos que se alimenta de sus habitantes, ahí es donde comenzó la historia de Alter, hace 15 años conoció a los graffiteros clásicos de la ciudad como Humo, Coka y Joker, que lo inspiraron a hacer sus propias pintas. En entrevista nos comentó sus experiencias iniciales: “comencé como muchos, lo hice sin pensar y por rebeldía, te arriesgabas a que te robaran tu material o a una golpiza de los tiras”.

Alter se retiró un tiempo del arte urbano y se introdujo en la aerografía, en ese tiempo se involucró en la naciente escena del tuning de autos pintando carrocerías, en este oficio donde alteraba las imágenes para adaptarlas a su estilo y poder trabajar con ellas encontró su seudónimo.

Gracias a estas experiencias, al retomar el arte urbano, experimentó con su estilo para crear ideas nuevas: “todo lo he desarrollado echando a perder e investigando en internet”, así aprendió nuevas técnicas y conoció a artistas e ilustradores que enriquecieron su trabajo, su estilo combina los aspectos realistas de la ilustración tradicional con los efectos y el volúmen generado por el aerosol, en sus piezas buscan explorar los temas que le interesan: “Reflejo vivencias personales e ideas propias para que la gente se interese en lo que transmito.”

El artista considera que el graffiti ha sufrido cambios como todo tipo de expresión cultural: “ya tocaba un cambio de ideología en el graffiti para fomentar el crecimiento y el apoyo”, comenta, la experiencia que le mostró la aceptación hacia este tipo de gráfica fue durante una invitación a Chile para un festival de arte urbano, ahí, la gente lo percibió como un artista profesional.

Alter está en […]