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Majosah

Diseñadora y artista visual mexicana, Majosah imprime su esencia estética en cada trabajo artístico que desarrolla. Desde murales hasta trabajos en acuarela, pasando por todos los formatos, su discurso visual se compone por elementos simbólicos arraizados en problemáticas sociales y preocupaciones propias.  Por medio de una paleta de colores audaces, sus personajes son insertados en una atmósfera de realismo mágico y atemporal. Sus escenas nos ponen a soñar despiertos.

El bagaje visual y estilístico del diseño gráfico encuentra en su lienzo una comunión armoniosa y personal con su visión artística. Su trazo es fluido y libre, sus temas son variados al igual que su técnica. No obstante, se logra apreciar una narrativa distintiva. Por ejemplo, encontramos constantemente en su obra composiciones donde la naturaleza es protagónica. La artista se apropia de paisajes y los transforma en escenarios fantásticos que estimulan la imaginación y alimentan el mensaje que nos presenta. 

Al adentrarnos en los temas de sus creaciones artísticas, encontramos una exploración del desnudo femenino; no como una representación cosificada para el deleite sexual; antes bien, como una reapropiación de la sexualidad y de los cuerpos de sus protagonistas, dotándolos de una autonomía erótica y humanizadora. La artista nos sitúa en escenas íntimas y liberadoras, rodeadas por un aura de poder femenino. Majosah logra desprender a sus personajes de modelos tradicionales representativos de femineidad al desnudo.

Feminista e interesada por dignificar y defender el papel de la mujer en la sociedad a través de su labor diaria, se ha mantenido activa en proyectos que apoyan a mujeres de comunidades de bajos recursos. Además, su compromiso con causas sociales, la ha involucrado en el rescate y preservación de espacios culturales.


Por |julio 12th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Majosah|

Mar León “El Carnero” (Noel Ramírez)

Hablar de la obra de MarLeon es adentrarse en terrenos plurales, debido a la amplia gama de temas que su arte aborda. A partir de un estilo que se inscribe en el realismo, examina diversos estados de la conciencia humana. De manera temeraria toca aspectos que se encuentran al margen de la opinión pública. Captura la trascendencia del instante en un devenir de formas. 

La pasión de Noel por el arte despierta desde temprana edad. “RAM”, el primero de sus a.k.a. surge de la abreviación de su apellido Ramírez. A partir de la peculiar coincidencia entre Aries, su signo astral, y el significado en inglés de ram; es como nace “El Carnero”. En el año 2014 inicia su segunda etapa artística, bajo el anagrama que condensa su historia: MarLeon. La intención detrás de sus obras es transmitirnos aquellos sentimientos que emplea como materia prima, la melancolía como tema.

La propuesta estética de su pintura no consiste en mimetizar lo aparente, sino los sentimientos y emociones. El hiperrealismo de “El Carnero” radica en interpelar a nuestra mirada y situarla en la misma circunstancia en la que pinta a sus personajes. Captura el momento exacto como una fotografía, mientras explora las profundidades del alma humana en un mismo plano.

Su estilo es una antología de influencias. En el sentido pictórico lo han influenciado desde los grandes maestros del arte, como Rembrandt; hasta los míticos cartelistas del cine, como John Alvin. Mientras que, en el sentido auditivo, el Rock and Roll se erige como aquel motivo y fuerza que lo impulsa a crear. Las estridencias de su pincel marcan el ritmo de los trazos, que son como riffs plasmados sobre el lienzo, semejantes a una tablatura que debe ser leída […]

Por |julio 9th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Mar León “El Carnero” (Noel Ramírez)|

Lorena Sierra

El mundo de Lorena Sierra es la comunión entre pintura, música y movimiento; elementos que en armonía generan un singular festival de colores. Festival que celebra la libertad, cada pincelada manifiesta lo mágico de la vida, el anhelo de lo posible y el recuerdo de lo pasado.   

Fortaleza y alegría son elementos que acompañan a su discurso visual. La personalidad de Lorena se proyecta en cada uno de sus trabajos. Cuando los miramos, una emoción se mueve o una reminiscencia despierta, es fácil identificarnos con su narrativa porque habla de nosotros.
Lorena posee una visión gráfica que va más allá de lo tradicional, ya que sus obras no sólo se enriquecen con nuestra interpretación personal, sino que nos invitan a interactuar, entrando en contacto directo con ellas para transformarlas.

Su versatilidad técnica le ha permitido no limitarse al lienzo, también expresa sus sentimientos valiéndose del tórculo. Además de apasionarse con el grabado, interviene fotografías que evocan la nostalgia y la imagen de un mundo paralelo al nuestro. Desde un aspecto completamente positivo, la pintura de Lorena nos retrata los sueños de esa niña interna que se ha convertido en artista.    

Su obra alberga personajes gestados en su imaginación, lo cuales coexisten sobre escenarios surreales, marcados por una huella propia. «Mis pajaritos» son los protagonistas en muchas de sus creaciones. Siempre captados en movimiento; a veces cantando o bailando, y otras, simplemente agregando color con su existencia. Ellos guardan la esencia de Lorena, son su avatar; su origen está ligado a una historia oracular. Son el símbolo de su arte, la libertad. Representan el ave que escapa no sólo de su jaula sino también de una vida limitada por la monotonía.


Por |julio 4th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Lorena Sierra|

ExpoHuateque

Color, canto, baile y movimiento; eso es un Huateque con sabor mexicano. Donde cualquier lugar puede ser escenario para la gozadera. 
El espíritu festivo se apodera de los sentidos, transforma toda tristeza o preocupación en risas. Permite sentir más, dejarse caer y volar en la calidez de los amigos. La celebración homogeniza todos las personalidades, las concentra en un mismo sentimiento.  El Huateque transgrede toda normalidad. El día contiene la magia que se reserva para la noche. La música no dicta el ritmo, sigue al son ebrio de la verbena. 

Desde la pintura, los artistas consiguen explorar temas sociales relevantes para cualquier persona. Alrededor del Huateque se revela la idiosincrasia de lo mexicano con todos sus matices: los divertidos, los “mala copa”, los decadentes.  

Todas las obras en esta sala encarnan un personaje que protagoniza la fiesta. Los artistas imprimen su esencia en cada trazo y cada pintura que nos presentan se vuelve una extensión de ellos mismos. En este Huateque se ríe y se goza por el simple hecho de celebrar la vida. Y qué es el arte sino eso, la celebración de la vida. Buena, mala o decadente.

Por |junio 28th, 2019|Artistas, Blog, Exposiciones|Comentarios desactivados en ExpoHuateque|

David Puck CDMX

Como parte de un proyecto decorativo en celebración del mes de junio por los derechos y la visibilidad LGTB+, invitamos al artista británico David Puck quien actualmente radica en California, Estados Unidos.
El proyecto constó de tres rostros que se realizaron en el vestíbulo de nuestras oficinas. Al puro estilo del artista, el resultado final combina lo abstracto con lo realista en un estallido de colores y su característico efecto de goteo. David utilizó una gama cromática pastel con detalles en colores brillantes y audaces, hechos por medio de trazos energéticos y dinámicos.
El primero de los rostros pertenece a la bella Dafne Maldonado. Integrante de la familia Arca México, quien fue seleccionada por David. Para realizar este mural y como parte de su proceso creativo, el artista tomó fotografías de Dafne, para luego basarse en ellas y comenzar el trazado de su rostro, para posteriormente integrarle su estética en grafiti.

A un costado de la puerta principal, el artista plasmó el rostro de la afamada Deborah “La Grande”. Instagramer y creadora de contenido mexicana con un canal en Youtube donde sube contenido relacionado al mundo de la moda y la cultura drag.
Deborah “La Grande” fue la ganadora de la primera temporada de La Más Draga, show hecho para YouTube en donde las participantes concursan mostrando su talento y habilidad para el arte del transformismo, como todas unas divas de la escena. Ganar este premio y su compromiso con el performance, la han convertido en un reconocido rostro del medio y una gran impulso y ejemplo para nuevos talentos.

En el tercer muro del vestíbulo y opuesto al rostro de Dafne, nos recibe el afilado y despreocupado rostro de la magnífica Mickey.  Reconocida vlogger de maquillaje a quien […]

Por |junio 7th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en David Puck CDMX|

Claudia Encinas

Claudia crea obras desde el dolor, pero no cualquier clase de dolor, sino uno que resulta sanador, reconfortante. Sin miedo a aparentar debilidad, retrata aquello que nos esforzamos en ocultar: desilusión, angustia, lágrimas, inseguridades. Detrás del maquillaje de una vida virtual y ficticia se esconden sonrisas vacías de una profunda tristeza.

Desde la vulnerabilidad, su discurso visual nos habla de cómo los sentimientos dolorosos son humanos y necesarios. No debemos cubrirlos con pretensiones fantasiosas de vidas inexistentes y anestesiadas. Claudia nos dice que los momentos oscuros definen lo que somos. Aquella risa que sale de la oscuridad no abruma ni aterra, antes bien, es la más sincera. Insiste que abracemos aquellas partes que carecen de belleza, que las dejemos expresarse libremente. Nos habla de que está bien, no estar bien.

La estética de sus pinturas conserva el tono decadente de sentimientos crueles. El glamour de mujeres maquilladas, peinadas y vestidas de gala que nos miran con desesperanza y desesperación. Personajes cuya característica es tener ojos y bocas grandes. Son ojos que no lloran y bocas que no gritan; no porque no quieran, sino porque no pueden, se ahogan. Las mujeres que plasma en sus lienzos parecen pedirnos que hablemos por ellas, que nos sinceremos a través de sus ojos.
Algunos rasgos de sus personajes presentan las mismas “visiones nocturnas” que la Musa Enferma del poeta Baudelaire, cuyas palabras coinciden con la inspiración artística de Claudia: “Y veo una y otra vez reflejados sobre tu tez/ La locura y el horror, fríos y taciturnos”. Los títulos de cada una de sus pinturas nacen de ideas basadas en lo que escucha y lo que lee.

Los temas que sus obras abordan se contrastan con la personalidad de la artista. Pues detrás […]

Por |mayo 27th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Claudia Encinas|

Carlos César Díaz Castro

Carlos Cesar Díaz Castro es un artista que en sus lienzos enaltece la naturaleza llana y la dignidad de las mujeres y los hombres campesinos desde una palpable empatía. Sus pinturas son obras de arte agrario representadas de manera auténtica, humana y popular. En escenas de trabajo y vida cotidiana con encuadres que parecen casi fotográficos.

Con una clara conexión a sus raíces y admiración a su tierra natal de La Paz, Baja California. El artista compone odas visuales descriptivas bastándose solamente de la observación y su participación vivencial con su tema. Si bien el artista se considera netamente citadino. Él disfruta de la convivencia con trabajadores de la tierra, familiares y amigos, así como compartir sus tradiciones étnicas.
Carlos César presenta de manera apasionada, casi confrontativa, estas escenas de trabajo. Visibilizando a los agricultores y homenajeando su labor. Para que no se les omita dentro de nuestro esquema social.
Su estética es realista y demuestra un gran manejo de la técnica por medio de una delicada atención a los detalles. Su paleta se compone de una majestuosa combinación de tonos pasteles y brillantes, que tienen como base los colores primarios.  Lo que hace resaltar el manejo de la luz en sus cuadros de acuerdo al movimiento del sol. El resultado es una iluminación natural que baña a sus personajes y que los ennoblece sin romantizarlos.

Para el artista todas las obras que crea son como una escuela, donde cada trazo representa un aprendizaje que perfecciona su arte. Comprometido con su oficio y con su comunidad, Carlos César es también docente. Es a través de sus estudiantes que este artista se enriquece con el mutuo intercambio de conocimientos e ideas. Desde un sentimiento de agradecimiento, él se declara […]

Por |mayo 24th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Carlos César Díaz Castro|

José Luis Aguiar

La pintura de José Luis Aguiar Pellegrín parece nacer del matrimonio entre el arte y el cariz sombrío que la naturaleza conserva. El sentido de su trabajo estriba en develar aquellos terrenos que permanecen ocultos a los ojos de quienes aprecian únicamente el aspecto amable de lo aparente.

Bajo un análisis detenido, podemos percatarnos que cada una de sus pinturas representa un desafío a la mirada atenta, debido al emerger constante de elementos que saltan a la vista. Elementos que surgen desde el plano fenoménico, o bien desde lo simbólico; y que nos confirman aquella tesis de Umberto Eco acerca del doble carácter de una obra: cerrada en sí misma, dada su producción; pero siempre abierta a ser interpretada.
Podemos adivinar que no hay fórmulas en su arte. En ocasiones, toma como base un aguafuerte o un dibujo; y otras veces, el color es quien protagoniza su estética. José Luis es un artista siempre interesado en manifestar sus pensamientos a través del lenguaje visual. En un mismo espacio de trabajo mezcla las diferentes técnicas que ha perfeccionado durante toda su trayectoria.

Desde lo simbólico, sus obras son un espacio donde se representa una visión del estado primigenio, teniendo como fondo la mortecina luz de escenarios lóbregos que proyectan estados salvajes de lo humano. Transporta los símbolos sacros hacia lo terrenal. Un paganismo que se construye a partir de la generación de ídolos ignotos. Ellos no indican una negación de los dioses establecidos por las religiones tradicionales; sino más bien, parecen inaugurar un nuevo culto.

Para José Luis, el arte es libertad. Es un horizonte de posibilidad que dota al artista de un espacio donde puede figurar sus expresiones. Su trabajo es testimonio de las diversas búsquedas e investigaciones […]

Por |mayo 24th, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en José Luis Aguiar|

Teresa Loza

Existen al menos dos tipos de miradas: la analítica, que de manera descriptiva trata de darle significado a todo lo que está a su alrededor; y el mirar contemplativo, con una orientación distinta hacia lo real, su finalidad no radica en tratar de comprender, sino más bien en transformar. El trabajo de Teresa Loza es el lugar en el que ambas miradas se observan para generar una nueva visión.

 
Pocos artistas tienen la virtud de reunir en sus obras el enfoque integral de dos disciplinas. En Teresa Loza, lo objetivo del método y la libertad creativa comulgan en el mismo espacio. La armonía de estas dos perspectivas ha forjado en sus pinturas un carácter peculiar dominado por una pasión en constante cambio, aquella que anima las voces internas que la hacen crear.

A veces pintando diosas de mitologías clásicas, otras veces reinventando su propia cosmogonía. Sus obras revelan una personalidad preocupada por expresar una interpretación personal de lo femenino. Interpretación que se acerca a la concepción que la poetisa Alaide Foppa hace de la mujer: “Un ser que aún no acaba de ser…Un Ser que trata de saber quién es/ Y que empieza a existir”

Los rostros de sus personajes conservan el mismo estilo. Con gestos fríos, no pueden juzgarse como inexpresivos porque las emociones que reflejan son de una intimidad casi secreta. Sólo podemos descubrirlas en el silencio de una atención meditada. La poética visual de cada uno de sus cuadros nos recuerda al vuelo de un ave de obscuro plumaje que al abrir sus alas entrega su corazón al cielo abierto.

Por |mayo 23rd, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Teresa Loza|

Gladis Felix

La contemplación y entendimiento del entorno son prácticas fundamentales para reconocernos como habitantes de un planeta hermoso, la obra de Gladis es la representación perfecta de ello. Su capacidad de observación y valoración por su espacio la han dotado de una gran habilidad para explicar lo que mucho no logran percibir.

Desde pequeña, tuvo una gran cercanía con el arte pues era un tema presente en su familia, y no precisamente era una familia dedicada al arte sino que mostraban encanto y aprecio hacia él.
Gladis mostró gran interés por el estudio desde temprana edad y decidió encaminar dicho interés hacia la cultura y las artes. Uno de los grandes retos con los que se encontró, fue que en Sonora, su estado de origen, no había gran enfoque hacia los temas culturales; ya que, el estado carecía de espacios dedicados al arte. A pesar de ello, continuó con sus estudios hasta lograr la oportunidad de viajar a Londres, hecho que resulta curioso ya que visitó Europa antes que la Ciudad de México.

Otro de los grandes intereses de la artista es la exploración y experimentación en otras disciplinas, pues, además de la pintura, ha estudiado técnicas como el grabado, la escultura y la fotografía. Hablar de Gladis, es hablar de una mujer con gran visión creativa.
Ella describe su proceso creativo como una síntesis visual de elementos. Con esto busca representar la reducción de cualquier cuerpo o espacio a sus formas más fundamentales, siempre dirigidas a provocar un impacto visual.

El aprecio por la naturaleza y el deseo inagotable por adquirir nuevos conocimientos, la han convertido en una artista capaz de comunicar emociones y pensamientos a través de diversas técnicas.

Por |mayo 23rd, 2019|Artistas|Comentarios desactivados en Gladis Felix|